アンビエントを作ってみた。でも何度聴いても単調。ずっと同じ質感で動きがない。気づいたら他の自分の曲と似たような雰囲気になってしまっている……

「シンセパッドを鳴らしてリバーブをかければOK」という段階は卒業した。でもそこから先、どうすれば「動きのあるアンビエント」「空間に深みが出る音」になるのかが見えない。

この記事はアンビエントの作り方入門記事の続編として、「なぜ単調になるのか」を理解して脱出するための中級テクニックをまとめた内容だ。グラニュラー合成の基本やコードのつかみ方はすでに知っている、という前提で話を進める。

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なぜアンビエントは単調になるのか

単調に聞こえる原因はほぼ決まっている。

1. 音が「静止」している ── 同じ音量・同じ質感で鳴り続けている
2. レイヤーが少ない ── 1〜2音源だけで構成されている
3. 空間が「平ら」 ── 全ての音が同じ距離感で鳴っている
4. 変化がパターン的 ── フィルターのオートメーションが単純すぎる

逆に言えば、「動き・密度・奥行き・予測不可能な変化」の4要素を意識して設計すれば、自然と単調さから抜け出せる。

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Step 1：テクスチャーレイヤリング──音を「重ねる」のではなく「組み合わせる」

入門段階でよくあるのが「同じ種類の音を複数重ねる」パターン。シンセパッドを3つ重ねても、似た質感が増えるだけで密度にはならない。

異なる「時間軸」の音を組み合わせる

アンビエントのレイヤリングで有効なのは、反応速度が異なる音を組み合わせる発想だ。

レイヤー	役割	例
アタック速め（瞬間的）	空間の「輪郭」を作る	ピアノの高音域、鈴の音
中間（数秒で変化）	空間の「中核」を担う	シンセパッド、ストリングス
非常に遅い（数十秒で変化）	空間の「底面」を作る	ドローン、スウェルパッド

この3種が同時に存在すると、聴き手は「動いているもの」と「流れているもの」と「存在しているもの」を同時に知覚する。これが「深さ」として感じられる。

テクスチャー素材の種類を広げる

同じ「シンセ」でも波形の種類が違えばテクスチャーが変わる。以下を意識して選ぶと質感が変わってくる：

• サイン波系 ── 純粋で透明。空間の「芯」に使う
• ソウ波系（サチュレーション後） ── 倍音が豊か。密度を出したいときに
• グラニュラー系 ── 有機的な揺らぎ。生き物的な質感
• サンプル系（環境音） ── 現実の空間感を持ち込める

このサウンドに使いたいプラグイン

• Tracktion BioTek 3 ── グラニュラー・サンプラー・Spinal Sawオシレーターを搭載。アンビエントのテクスチャーレイヤーを「有機的な揺らぎ」で設計するのに向いているシンセ
• Dawesome MYTH ── オーディオファイルをドラッグ&ドロップするだけで再合成素材として使える設計。フィールドレコーディング素材をシンセの核にするアプローチがそのままできる
• Excite Audio Evolve Next Acoustics ── アコースティック系の有機的な音色を出すシンセ。アンビエントの「中間レイヤー」として空間に自然に溶け込む質感が出しやすい

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Step 2：サウンドを「動かす」モジュレーション設計

アンビエントが単調になる最大の原因は「音が静止している」こと。LFOを1つかけただけでは足りない。

ランダムモジュレーションを使う

LFOの波形に「ランダム（S&H：Sample & Hold）」を選ぶと、規則正しくない変化が生まれる。フィルターのカットオフやピッチに深さ5〜15%程度でかけると、「生きているような揺らぎ」が出てくる。

LFOの速度（レート）は非常に遅くする。4〜16小節かけてゆっくり動くくらいが適切で、速くすると効果音的になってしまう。

エンベロープフォロワーでサイドチェイン的に動かす

エンベロープフォロワーとは、入力音のダイナミクス（音量の変化）を検出してモジュレーション信号に変換する機能。たとえばパッドAの音量変化をパッドBのフィルターに割り当てると、パッドAが大きくなるたびにパッドBの音色が変わる。

複数の音源が「互いに影響し合いながら動く」状態になると、アンビエントに生命感が生まれる。

ステップシーケンサーで「不規則な規則性」を作る

完全ランダムではなく、数種類のステップを繰り返しながら微妙に変化するパターンを作ると、「聴いていて飽きない、でも混沌ではない」状態になる。Serum・Vital・Surgなどのシンセに内蔵されているステップシーケンサーをLFOの代わりに使う方法が有効。

このサウンドに使いたいプラグイン

• Tracktion F.’em ── 11オペレーターのFMシンセ。最大200エントリのモジュレーションマトリックスと8ステップのFlow LFOを持ち、アンビエントに必要な「ゆっくり・複雑に動く音」を設計するのに向いている
• Carbon Electra 2 ── Wave Terrainオシレーターが搭載されており、予測しにくいモジュレーションによる音色変化が生まれやすい。アンビエントの「動きのある空間」を作るのに使いどころがある

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Step 3：フィールドレコーディング素材の組み込み方

アンビエント中級者の多くが「フィールドレコーディングを使いたいけど浮く」という問題に直面する。そのまま貼るから浮くのであって、加工して「空間の一部」として溶け込ませる必要がある。

そのまま使わず、音の「本質」を抽出する

フィールドレコーディング素材（雨音・波音・街の雑踏など）をそのままDAWに貼ると、他のシンセ音と質感が違いすぎて浮く。以下の処理で空間に馴染ませる：

1. ローパスEQ ── 高域（5kHz以上）を大きく削る。「リアルな音」から「テクスチャー素材」に変わる
2. リバーブを深くかける ── シンセ音と同じリバーブをかけると「同じ空間」感が出る
3. ピッチシフト ── 素材全体を少し音程を上げ下げするだけで人工的な質感になり溶け込みやすくなる
4. グラニュラー処理 ── 素材をグラニュラーシンセに読み込んで再合成すると原形をとどめない空間音になる

音の「輪郭を消す」処理

アタックの立ち上がりをボリュームフェードで消すだけで、素材が「どこから来たかわからない音」に変わる。フィールドレコーディング素材に限らず、ピアノやギターの録音も同じ処理で空間素材に変換できる。

このサウンドに使いたいプラグイン

• Dawesome MYTH ── 自分の録音をドラッグ&ドロップするだけで再合成素材として扱える設計。フィールドレコーディングをそのままシンセの音源にできる唯一に近いアプローチ
• Tracktion BioTek 3 ── サンプルレイヤーに外部オーディオを読み込める。環境音をグラニュラー処理する入口として使いどころがある

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Step 4：ギターをアンビエント素材に変換する

ギタリストとして10年以上やってきた経験から言うと、ギターはアンビエントと非常に相性が良い楽器だ。ただし「そのままクリーントーンで弾く」ではなく、エフェクトで変質させることが前提になる。

ボリューム奏法（スウェル）

ピッキングしてからボリュームノブを徐々に上げる奏法。アタックが消えて「音がどこからともなく湧いてくる」質感になる。DAWでもボリュームオートメーションやフェードインで再現できるが、実際に弾いた音の方が自然なゆらぎが出る。

逆再生

録音したギターのフレーズを逆再生すると、本来のアタック（弾き始めの音）が消えてスウェル感のある幻想的な音に変わる。ハーモニクスやアルペジオをいくつか録音して逆再生すると、高品質なアンビエント素材になる。

ボウイング的なサウンド（e-bow・スライド）

e-bowはギターに近づけて持つと弦を電磁気的に振動させ続ける機材で、ビブラートのない持続音が得られる。DAWでも似た効果は出せる。ギターの単音にリバーブとディレイをたっぷりかけ、ピッチシフトで微妙に変化をつけると「どこかの弦楽器のような持続音」になる。

これらのアプローチは普通のシンセでは出せない「弦の倍音の揺らぎ」を持っていて、アンビエントに生命感を加えるのにかなり有効だと感じている。

このサウンドに使いたいプラグイン

• Soundtoys SpaceBlender ── アルゴリズムリバーブ。リバーブが時間経過とともに音色を変化させる「進化するテクスチャー」が出せる設計で、ギターのスウェル奏法にかけると普通のリバーブとは質感が違う空間音になる。100msのタイトなルームから60秒のアンビエントウォッシュまでカバー
• RC-20 Retro Color ── テープ・Lo-Fiエフェクト。ギター素材にかけると有機的なノイズと揺らぎが加わり、アンビエントテクスチャーとして馴染みやすくなる

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Step 5：空間設計の深掘り

距離感を意識したリバーブ設計

全ての音に同じリバーブをかけると「平らな空間」になる。前後の距離感を作るには、音によってリバーブの濃度を変える：

音源	リバーブ量	感覚
主要なメロディ	少なめ（ドライ多め）	近い・前に出る
テクスチャー素材	多め	遠い・背景
ドローン・サブ	非常に多め or プレート	空間全体に溶ける

コンボルーションリバーブで「場所」を作る

アルゴリズムリバーブではなく、実際の空間を録音したインパルスレスポンス（IR）を使うコンボルーションリバーブを使うと、「具体的な場所」の空間感を音に与えられる。廃墟・洞窟・教会など特殊な空間のIRは無料配布されているものも多い。

M/Sステレオ処理

Mid（中央）とSide（左右）を分けてEQやコンプを処理する手法。SideにローパスEQをかけると中央はクリアで広がりだけが柔らかくなる。アンビエントの「広大な空間感」を作るのに有効で、マスタリング段階で使うと全体の質感が大きく変わる。

このサウンドに使いたいプラグイン

• Bricasti M7 ── コンボルーションリバーブの定番。実空間のIRを使って「場所」の空気感を音に乗せられる。アンビエント制作で前後の距離感を設計するのに使いどころが大きい
• Dawesome LOVE 2 ── グラニュラーエンジンとShimmer Reverb・ディレイ・ピッチシフト等20以上のモジュールを組み合わせられるアンビエント特化型マルチエフェクト。シンセパッドやギターを「雲のようなテクスチャー」に変換するのに向いており、空間設計のツールとして直接的に使いどころがある

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Step 6：ダイナミクスとオートメーション

アンビエントは「音が動かない」と思われがちだが、優れたアンビエントは非常に緻密なダイナミクス設計をしている。

「何もない時間」を怖れない

全ての時間に何か音が鳴っている必要はない。一部の音源が消えて、他の音源だけが残る瞬間を作ることで、次の音が入ってきたときの「印象の変化」が大きくなる。

ボリュームオートメーションで呼吸する

全体のボリューム、あるいは個別トラックのボリュームを緩やかにオートメーションで動かす。8〜16小節かけてゆっくり上がり、また下がる。これだけで楽曲が「呼吸している」感覚になる。

サイドチェインで「押し引き」を作る

ドローン系の低音に、別の音源からのサイドチェインコンプをかけると、その音源が鳴るたびにドローンが少し引いてスペースが生まれる。完全に音量を下げる必要はなく、2〜4 dB程度の微妙な変化で十分効果が出る。

──「単調」と「シンプル」は違う。シンプルな構成でも、音が「呼吸していれば」アンビエントは生きる。

このサウンドに使いたいプラグイン

• SSL Native Bus Compressor 2 ── サイドチェインコンプとして。ドローン低音に別音源でサイドチェインをかけ「押し引き」のダイナミクスを作るのに使いどころがある
• Smooth Operator Pro ── 共鳴抑制プラグイン。リバーブを深くかけたアンビエントサウンドで出やすい耳障りな帯域の共鳴を、EQで削らず自然に圧縮して除去する。音色を崩さずに空間系サウンドを整えるのに向いている
• Cableguys ShaperBox ── LFOシェイパー。ボリューム・フィルター・パンを自分で描いた形で自動変調できる。アンビエントの「呼吸するダイナミクス」を手動オートメーションより細かく・有機的に設計するのに使いどころがある

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どんなサブジャンルへ展開できるか

ダークアンビエント

ディストーションやビットクラッシャーを素材に軽くかけ、短調のドローンを主体にする。低域を厚くして高域を削ると、恐怖感・孤独感・神秘感が出やすい。

アンビエントテクノ

4分打ちのキックをごく小さく（メインではなくテクスチャーとして）入れ、シンセシーケンスを加える。テンポ感はあるが主張しすぎない形で、アンビエントとテクノの中間に位置する。

ニューエイジ / ヒーリング系

ピアノとストリングスをメインにして、フィールドレコーディング素材（川・鳥・波）を薄く混ぜる。コード感は明確にしてディソナンス（不協和）を避ける。睡眠・瞑想用途で使われることが多いスタイル。

ポストロック系アンビエント

ギターのスウェル奏法・逆再生・ポストロック的なビルドアップ構造を組み合わせる。Explosions in the SkyやThis Will Destroy Youのような「緊張と解放」の物語性があるアンビエント。ギタリスト出身の人には最もやりやすいアプローチかもしれない。

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どんな人向きか

• 入門記事でアンビエントの基本を把握して、次のステップが欲しい人 ── アンビエント入門記事を読んで物足りなくなった段階
• 「作るたびに似たような曲になる」と感じているDTMer ── テクスチャーレイヤリングとモジュレーション設計を理解すると、同じ素材から違う質感が作れるようになる
• ギタリスト出身でDTMをやっている人 ── 弦の倍音・スウェル奏法・逆再生など、ギターの特性をアンビエント制作に活かしやすい
• 映像音楽・ゲームBGM・配信用BGMを作りたい人 ── アンビエントの技法は「聴かせる音楽」より「空間を作る音楽」に直結している

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参考曲リスト

制作の前後に聴いておくと、アンビエントの「動き・奥行き・時間感覚」の設計が体感で理解できる曲を選んだ。

クラシックアンビエント（基礎として）

曲名（年）	アーティスト	YouTube	注目ポイント
Music for Airports – 1/1（1978）	Brian Eno	視聴	アンビエントの原点。単純なループが重なることで「動いていないのに動いている」感覚がどう生まれるかを聴く
Roygbiv（1998）	Boards of Canada	視聴	Lo-Fiノイズと有機的なシンセの組み合わせ。テクスチャーの「温度感」の参考に

実験的・現代アンビエント

曲名（年）	アーティスト	YouTube	注目ポイント
Harmony in Ultraviolet（2006）	Tim Hecker	視聴	ノイズと音楽の境界。歪んだ音がどう空間として機能するかを聴く
The Disintegration Loops（2002）	William Basinski	視聴	テープの劣化音そのものが音楽になった例。「素材の変質」をサウンドデザインに使う発想の参考に

ギター×アンビエント・ポストロック

曲名（年）	アーティスト	YouTube	注目ポイント
The Birth and Death of the Day（2007）	Explosions in the Sky	視聴	ギターがアンビエントになる実例。スウェル奏法・ボリュームオートメーション・リバーブの使い方を耳で追う

日本のアンビエント

曲名（年）	アーティスト	YouTube	注目ポイント
Merry Christmas Mr. Lawrence（1983）	坂本龍一	視聴	最小限の音符で最大の空間を作る手本。「余白」と「間」の使い方を聴く

聴くときの視点：音そのものより「空間の変化」を追う。音が消えるタイミング、音量の呼吸、テクスチャーが切り替わる瞬間に集中して聴くと、制作時のオートメーション設計の参考になる。

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FAQ

Q. アンビエントに「コード進行」は必要ですか？

必ずしも必要ではありません。ドローン系のアンビエントは1音（ペダルポイント）を維持したまま進行するスタイルが多く、コードが変わらない方が「永続する空間」という印象が強まることがあります。ただし変化を作りたい場合は、Sus4からMaj7への移行など解決感が薄いコードの組み合わせを使うと、アンビエント的な「どこにも向かわない感覚」を保ちながら動きを作れます。

Q. どれくらいの長さの曲を作れば良いですか？

使用目的によります。映像BGMなら映像の長さに合わせる。配信用のアンビエントなら5〜8分が聴きやすい範囲です。ただし曲として成立しているかよりも、「どのタイミングで聴いても途中参加できる音楽」になっているかが重要です。明確なサビや終わりがなく、どこから聴いても自然に聞こえる構成を目指すとアンビエントらしくなります。

Q. リバーブのかけすぎで音が濁ります。どうすれば良いですか？

低域がリバーブで膨らんでいる場合が多いです。リバーブプラグインのハイパスフィルター（またはリバーブ後にEQを挿入）で200〜300 Hz以下をカットすると改善されることが多いです。また複数のリバーブが全て同じスペース設定の場合も音が団子になりやすいので、近距離用（短いプレート）と遠距離用（長いホール）を使い分けると分離感が出ます。

Q. フィールドレコーディングをしていないと素材が作れませんか？

フリー素材サイト（freesound.org等）で環境音のサンプルが多数配布されています。また市販のアンビエント素材パックも充実しているので、自録りでなくても素材の選択肢は十分にあります。重要なのは「どう加工するか」で、素材の出所よりも処理の質の方が最終的な仕上がりに大きく影響します。

Q. アンビエントとドローンはどう違いますか？

ドローンは持続する音（単音またはコード）が主体のスタイルで、アンビエントのサブジャンルのひとつです。アンビエントは変化や空間設計を重視した幅広いスタイルを指すのに対して、ドローンは「変化の少なさ」自体を美学とする傾向があります。制作難易度という観点では、ドローンはよりシンプルな構成から始められる反面、単調さを避けるための音質・倍音の設計が精緻さを要求します。

打ち込みで作ったはずなのに、なんかノれない。グルーヴが出ない。機械的な音の羅列になってしまう……

Funkを打ち込みで再現しようとすると、この壁にぶつかる人が多い。リズムは合っているのにダサい。音符の位置は正しいのに何かが足りない。

そもそもFunkのグルーヴは「音符の位置」より「音の長さ・強さ・タイミングのわずかなずれ」から生まれているので、ベタ打ちで仕上げると必ず平坦になる。この記事では、DAWでFunkを打ち込む際の具体的な手順と、グルーヴを出すためのテクニックを解説していく。

ギタリストとして20年やってきた経験から言うと、Funkのカッティングギターは「どこで音を切るか」が全てで、これがDAWでも一番難しいポイントだったりする。打ち込みでどうアプローチするかも含めて書いていく。

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Funkとはどんな音楽か

Funk（ファンク）は1960年代後半にJames Brownらが確立した、リズムとグルーヴを最重視した音楽ジャンルだ。ソウル・R&Bから発展し、「すべての楽器がリズム楽器」という発想が特徴的で、メロディよりもビートの「ノリ」に重心が置かれている。

テンポは75〜115 BPM前後が典型的で、エレクトロニック系のジャンルと比べて遅め。その分、16分音符のリズムで密度を出す。「スローだけど体が動く」という感覚はここから来ている。

Funkの核心は16ビートのグルーヴ。4分音符・8分音符が主体のロックやポップスと違い、16分音符（1小節を16分割したリズム）が全楽器の共通言語になっている。

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Step 1：BPMとキーの設定

BPM：85〜105が扱いやすい範囲

75 BPM以下になると重すぎてモタる。110 BPM以上になるとFunkというよりディスコ寄りになる。最初は95 BPM前後から試すのがおすすめ。グルーヴが出てきたらテンポを少し動かして調整する。

キー：マイナーキーが最もFunkらしい

• Gマイナー・Cマイナー・Dマイナーが定番
• ドミナント7thコード（Ⅰ7）を多用するため、マイナーよりやや濁った響きが出る
• 1コードのヴァンプ（同じコードを繰り返す）が多いので、シンプルなコード設定から始めると作業が早い

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Step 2：ドラムパターン（Funkの核心）

Funkのドラムで最も重要なのはゴーストノートと16分音符の処理。ここをベタ打ちにするとどんなに他を頑張っても機械的に聞こえる。

キック・スネアの基本配置

• キック：1拍目と3拍目が基本。加えて「2拍目の16分ウラ（2と+のe）」や「4拍目の直前」など、シンコペーションを意識したオフビートに追加ヒットを入れる
• スネア：2拍目と4拍目が基本。ただしリムショット気味の軽いスネアを加えて動きを作る

ゴーストノートで生命を吹き込む

ゴーストノートとは、ほとんど聴こえるか聴こえないかの極めて小さなスネアヒットのこと。Funkドラムの「うごめき感」はここから来ている。

DAWでの実装方法：

1. スネアのノートをコピーして、メインのスネアとスネアの間に16分音符で配置
2. ベロシティを10〜25（最大127の場合）に下げる
3. 均等に並べるより、自然に散らす感覚で配置する

ゴーストノートが入るだけで、同じビートでもグルーヴ感が全然変わってくる。これだけで「DTMっぽさ」が一気に減る。

ハイハット

16分音符の閉じたハイハットをベースに、アクセントになる位置だけ開いたハイハット（オープンハイハット）を入れる。全部同じベロシティにせず、強拍（1、3）を強め、弱拍を弱めにベロシティ変化をつけると機械感が薄れる。

このサウンドに使いたいプラグイン

• Addictive Drums 2 ── ゴーストノートが打ちやすい生っぽいドラムキットが豊富。Funk向きのR&B・ソウル系キットが充実している
• Diginoiz Hattricks ── ハイハット専用音源。16ビートのハイハットのベロシティ変化を細かく作りたいときに使いどころがある
• UJAM Groovemate ONE ── パーカッション追加に。Funkのシェイカー・タンバリン系の質感を手軽に足せる

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Step 3：ベースライン（Funkの顔）

Funkのベースはメロディを担当する楽器と言っても過言ではない。ただのルート音の繰り返しではなく、リズムの中で会話するように動く。

基本の考え方：16ビートで動く

スタッカート（短く切る）が基本。ベースの音を長く伸ばすのではなく、16分音符で歯切れよく刻む。DAWではノートの長さを短くし、ベロシティのメリハリをつけることで表現できる。

キックとのコンビネーション

ベースはキックのリズムと連動させる。キックが鳴る位置にベースのルート音を置き、それ以外の場所で音階的な動きや16分音符のリズムパターンを入れる。この「キックとベースの呼吸が合っている」感覚がFunkグルーヴの根幹。

オクターブ跳躍でアクセントをつける

同じルート音でも1オクターブ上に跳んで戻る動きを入れると、一気にファンキーな印象になる。たとえばGm7のルート（G）を弾いていて、突然1オクターブ上のGに跳んで短く鳴らす。このアクセントが「動いている」感を作る。

スラップ感の演出

実際にスラップを弾くわけにはいかない場合でも、ベース音源のスラップ奏法サンプルを使うか、ベースの音にアタックを強調したEQ（2kHz付近を持ち上げ）とコンプをかけることでスラップっぽい質感に近づけられる。

このサウンドに使いたいプラグイン

• AmpliTube 5 MAX ── ファンクベースに向いた音色が揃うベースアンプシュミレーターが収録されている。
• IK Multimedia modo bass 2　 ── 指弾き・スラップ・ピック奏法をカバー。Funk的なアタック感のある音を出しやすい

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Step 4：ギターカッティング

Funkギターの「刻み」は独特で、メロディよりもリズム楽器に近い役割を担う。

コードスタブ（カッティング）の基本

コードを弾いて「すぐ止める」。この繰り返しがFunkギターの核心だ。DAWでの打ち込みでは：

1. 16分音符の長さで和音ノートを配置
2. 拍の「ウラ（16分音符の偶数番目）」に集中して置く
3. 拍の「オモテ（1、2、3、4）」は逆に置かないか、弱く置く

このオフビート配置がFunkの「空白感」を作る。音が鳴っている時間より、音が鳴っていない時間の方が長い、という感覚。

使うコード

Funkギターで多用されるのは9thコードと7thコード。

• Gm9（Gm7の9th音を加えたもの）
• C9
• Am7 これらを歯切れよくカッティングするだけで雰囲気が出る。シンプルなパワーコードではFunkにならない。

ミュート処理

カッティング音源を使う場合はそのまま使えるが、ピアノロールで打ち込む場合はノートの長さを極端に短く（16分音符の3分の1程度）することでミュート感が出る。

このサウンドに使いたいプラグイン

• アンプシミュレーター まとめ ── 生ギターをDI録音してアンプシミュレーターに通すとカッティングの質感が一気にリアルになる。ソフトなクランチ設定がFunkには向いている

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Step 5：コード進行

Funkのコード進行はシンプルなものが多い。複雑な転調より、同じコードを繰り返す「グルーヴ感」の方が優先される。

①1コードヴァンプ（最もFunkらしい）

Gm7 → Gm7 → Gm7 → Gm7（繰り返し）

James Brownスタイルの極致。同じコードが延々と繰り返される中でリズムのノリだけで聴衆を動かす。最初はこれだけで作ってみるのが上達が早い。

②ii-V-Iヴァリエーション

Am7 → D7 → Gm7（繰り返し）

ジャズ的な動きをFunkのリズムに乗せたパターン。

③I7-IV7の往復

G7 → C7 → G7 → C7

ブルース的な土台にFunkのリズムを載せた構成。シンプルだがのりやすい。

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Step 6：ブラス・ホーンセクション（オプション）

Funkらしさを一気に引き上げる要素。必須ではないが、あると本物感が増す。

基本的な使い方

• トランペット・トロンボーン・サックスの組み合わせが定番
• 長音よりも短いスタッカートのフレーズで使う
• コードの変わり目や小節の頭でアクセントとして入れると効果的

DAWでの打ち込みのコツ

ホーン音源はポルタメント（音程のつなぎ）があると機械感が消えやすい。フレーズの始まりのノートのベロシティを上げ、終わりを下げることで「吹いている感」を演出できる。

このサウンドに使いたいプラグイン

• NI Session Horns Pro ── トランペット・トロンボーン・サックスを含むホーンセクション音源。Funkのスタッカートなアクセントフレーズを打ち込むのに向いている

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Step 7：グルーヴを出すための仕上げ

技術的に正しいパターンを作っても「グルーヴ」が出ない場合、最後の調整が必要。

タイミングの「揺らし」

DAWのクオンタイズを完璧に100%にしない。Cubaseなら「ヒューマナイズ」、Ableton LiveやLogic Proにも同様の機能がある。10〜20%ランダムにタイミングをずらすだけで、機械的な感触が取れる。

ベロシティの「波」を作る

全部同じベロシティではなく、拍によって強弱をつける。特にドラムとベースは小節の中で「波形」を描くようにベロシティを変化させると、聴いていてリズムが「うねる」感覚になる。

バスドラムとベースの「空気感」

バスドラムとベースが全く同時に鳴ると音がぶつかりやすい。ベースを数ms後にずらすか、サイドチェインコンプを軽くかけることでキックとベースの分離感が増し、グルーヴが締まる。

──「音符の位置を合わせる」より「音符の長さ・強さ・ゆらぎを管理する」。ここがFunk打ち込みの本質だと思っている。

このサウンドに使いたいプラグイン

• SSL Native Bus Compressor 2 ── バスコンプとしての「のり」感が出やすい。Funkのグルーヴをまとめるグルーコンプ用途に
• Softube Bus Processor 670 ── チューブ系のサチュレーションが混じるタイプ。ビンテージFunkっぽい質感が欲しいときの使いどころがある
• IK Multimedia Bass One ── ベースエンハンサー。ベーストラックの存在感・倍音・アタック感を強調するエフェクトで、打ち込みベースが「薄い」と感じるときに使いどころがある

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ジャンル別応用

シティポップ・AOR

FunkのリズムはシティポップやAOR（Adult Oriented Rock）の土台として広く使われている。16ビートのドラムパターンとカッティングギターにきれいなコード感のピアノを重ねると、70〜80年代のシティポップ的な雰囲気になる。シティポップ・AORの作り方も参考にしてみてほしい。

R&B・ネオソウル

現代のR&BやNeo-SoulはモダンなプロダクションにクラシックFunkのグルーヴを組み合わせたスタイル。BPMを少し下げ（75〜85 BPM）、ドラムを生っぽい音源に変えて、コードを複雑な拡張コードにすることでネオソウル的な質感に近づく。

エレクトロファンク・ブギー

シンセベースとドラムマシン（Roland TR-808など）を使ったFunk。80年代的なサウンドで、Daft Punk初期やDisco Houseに近い。キックを四つ打ちにしてBPMを105〜120に上げると自然にこの方向に流れる。

フュージョン・ジャズファンク

コード進行を複雑にしてギターソロや管楽器のメロディを前に出したスタイル。Funk的なグルーヴの上に即興的なフレーズが乗る。コードに9th・11th・13thを加えてジャズの色を出し、ブラスセクションをメロディアスに使う。

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どんな人に向いているか

• 「ノれる打ち込み」を作りたいDTMer ── グルーヴ感の核にあるのがFunkの技法。ここを理解すると他のジャンルにも応用が利く
• ギタリスト出身のDTMer ── カッティングやコードヴォイシングの知識がそのまま役立つジャンル。ギター経験を活かしやすい
• シティポップ・R&B・ソウル系を作っている人 ── Funkはこれらのジャンルの共通した「底力」。グルーヴ感を追求したい人には必須の知識
• ドラム・ベースの打ち込みをもっとリアルにしたい人 ── ゴーストノート・スタッカート・ベロシティ管理の手法はFunkから学べる部分が多い

逆に、「サビで感情を爆発させたい」「壮大なオーケストラが欲しい」という方向性ならFunkの技法はそこまで直結しない。あくまで「体が動くビート」を作りたい人向けのジャンルだ。

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FAQ

Q. FunkとR&Bはどう違いますか？

Funkはリズム・グルーヴを最優先で、メロディや歌詞の感情表現よりも「体を動かすビート」に重心が置かれています。R&Bはより歌・メロディ・感情表現に比重があります。ただし現代のR&Bは両方の要素を持っていることが多く、明確な境界線はあいまいです。制作視点で言えば、Funkは「ドラムとベースが主役」、R&Bは「ボーカルが主役」という意識で作り分けるとわかりやすいです。

Q. ゴーストノートはどのくらい入れれば良いですか？

やりすぎると「うるさい」になります。基本は1小節の中に4〜8個程度、メインのスネアとスネアの間に自然に散らす感覚で。最初はベロシティ15前後で入れ、聴きながら数を調整してください。「なんとなくドラムが動いている気がする」くらいが適量です。

Q. ギターを持っていなくてもFunkギターは再現できますか？

DAW上では「Funkギター音源」を使うか、ピアノロールで短いノートを打ち込むことで近い雰囲気を出せます。ただしリアルな質感を求めるなら生演奏か、それに近い音源（Native InstrumentsのSession Guitarist等）の方が仕上がりは良いです。少しDTMっぽさが残ってもいい場合は、コードスタブを短いノートで打ち込むだけでも雰囲気は出ます。

Q. FunkにおすすめのBPMはありますか？

95〜100 BPMが最も扱いやすい印象です。85 BPM以下になるとグルーヴの維持が難しく、110 BPM以上になるとFunkより速い印象になります。最初は95 BPMで作り始めて、完成後に数BPM動かして自分の耳で最も気持ち良く聞こえるテンポを見つけてみてください。

Q. FunkとHip Hopはどう関係していますか？

Hip Hopはファンクのビートやベースラインをサンプリングすることで発展した側面があります。James BrownやGeorge Clintonのレコードは多くのHip Hopトラックに使われてきた「ネタ」です。現代のHip HopプロデューサーもFunkのグルーヴ感を意識したビート作りをしていることが多く、Funkを理解するとHip Hopのビートにも応用できます。

参考曲リスト

制作の前後に聴いておくと、グルーヴ感・各楽器の役割・音の質感の参考になる曲を時代別にまとめた。

クラシックFunk（1960〜70年代）

曲名	アーティスト	YouTube	注目ポイント
Sex Machine（1970）	James Brown	視聴	Funkの教科書。ドラムのゴーストノートとベースの絡み方を聴く
Give Up the Funk（1975）	Parliament	視聴	ヘビーなベースラインとコーラスの掛け合い。P-Funkサウンドの核心
Thank You（Falettinme Be Mice Elf Agin）（1969）	Sly & the Family Stone	視聴	ベースとドラムの16ビート対話が教科書的
Higher Ground（1974）	Stevie Wonder	視聴	クラビネットとドラムのコンビ。モータウン×Funkの融合
Le Freak（1978）	Chic	視聴	ディスコFunkの代表曲。ギターカッティングのシンプルな繰り返しを研究するのに最適

モダンFunk（1980〜2000年代）

曲名	アーティスト	YouTube	注目ポイント
Superstition（1972）	Stevie Wonder	視聴	クラビネットとドラムの絡み。シンセとFunkの融合の先駆け
Kiss（1986）	Prince	視聴	最小限の音数でグルーヴを作る手本。ストリップダウンしたFunk
Around the World（1999）	Red Hot Chili Peppers	視聴	ロックとFunkの融合。ベースラインの教材として最適

ニューFunk・現代のリファレンス（2010年代〜）

曲名	アーティスト	YouTube	注目ポイント
Dean Town（2016）	Vulfpeck	視聴	現代Funkの教科書。極限までシンプルなビートとベース。DTMでFunkを作る前に必聴
Get Lucky（2013）	Daft Punk feat. Pharrell Williams	視聴	ニューディスコ×Funk。ギターカッティングの抜け感を聴く
Skate（2021）	Bruno Mars, Anderson .Paak	視聴	現代的なサウンドプロダクションでFunkを再解釈した例
Them Changes（2015）	Thundercat	視聴	ジャズ×Funk。複雑なコードヴォイシングと速いベースの共存

日本のFunk・シティポップ文脈

曲名	アーティスト	YouTube	注目ポイント
真夜中のドア（1979）	松原みき	視聴	日本のシティポップのFunk的なリズムの代表例
FUNK FUJIYAMA（1989）	米米CLUB	視聴	J-Funk的なアプローチ。ホーンセクションとカッティングギターの絡みを聴く

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聴くときの視点：まず全体を聴いてから、次にベースだけ、次にドラムだけ、次にギターだけを意識して聴く。各楽器が「どこで鳴って、どこで休んでいるか」を追うと、Funkのグルーヴ構造が見えてくる。

あの重くて圧倒されるようなフォンクのビートを作りたいのに、どこから手をつければいいかわからない……

「Phonkは好きだけど、自分で作ろうとするとなんか軽い」「808をいじってもあの迫力が出てこない」そういう悩み、わりとよく聞く。

フォンクの中でも特にアグレッシブな方向性を打ち出して一気にバイラルしたのが MONTAGEM DIREÇÃO というスタイル。

DJ FKU × farofinat beats × DJ Samirによる「MONTAGEM DIREÇÃO（Brazilian Funk + Phonk）」は2025年8月のリリースから数週間で1,000万ストリームを超えた。Gaming PhonkやBeast Mode Phonkのプレイリストに続々と追加されるような、あの「押しつぶされる感」のあるサウンドだ。

この記事では、MONTAGEM DIREÇÃOスタイルのPhonkビートをDAWで再現するための具体的な手順を解説する。ジャンル全体の説明はフォンクとは？ブラジリアンPhonkの作り方にまとめてあるので、ここでは「あのアグレッシブな質感をどう作るか」の技術面に絞っていく。

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MONTAGEM DIREÇÃO スタイルとはどんなサウンドか

MONTAGEM DIREÇÃO の最大の特徴は、808の歪みと圧縮感を徹底的に前に出した音の壁だ。

Brazilian Funk（ブラジリアンファンク）のエネルギーとPhonkのダークネスが合わさった設計で、「タンボルザン」のようなリズム的なユニークさよりも、音の密度と重さがアイデンティティになっている。

具体的に言うと：

• 歪んだ808が低域を支配し、音程感と圧迫感を同時に持つ
• テンポは速め（140〜155 BPM前後）で、攻撃的に前進する感覚
• ドラムは「叩きつける」ニュアンスのキックとスネアが柱
• メロディはダークなマイナーキーの短いループ、主張しすぎない
• 全体がサチュレーションとクリッピングで統一された「圧縮された質感」を持つ

ジムやゲーム系のプレイリストで好まれる理由は、この「とにかく前に出てくる低域とビート」にある。ミックスの中で埋もれない音の太さ、これがこのスタイルの核心だ。

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制作環境の準備

特定のDAWを強制するものではないが、以下があると作業がしやすい。

• DAW：FL Studio・Ableton Live・Logic Pro など
• 808音源：サイン波ベースの808（各DAW付属で可）または無料808サンプルパック
• ディストーション/サチュレーション：歪み系プラグイン（DAW付属でも可）
• コンプレッサー：サイドチェイン対応のもの
• ビットクラッシャー：ハイハットやパーカッションの質感を落とすため

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Step 1：BPMとプロジェクト設定

BPM：140〜155

MONTAGEM DIREÇÃOスタイルはPhonkの中でも速めの部類に入る。140 BPMはPhonkの大半のスタイルに対応できる中間地点で、最初はここから試してみるのが安全。155前後まで上げると一気にアグレッシブ感が増すが、808のピッチを追うのが難しくなる。ビートを組んでから「なんか軽い」と感じたらテンポを2〜3 BPM上げるだけで印象が変わることがある。

キーはCマイナー・Aマイナー・Dマイナーあたりが使いやすい。ダークな印象を保ちながら808のピッチを合わせやすい。

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Step 2：808ベースの構築と歪み処理

MONTAGEM DIREÇÃOスタイルを決定づける最重要要素がここ。

808の基本音作り

シンセでサイン波を出発点にする。DAW付属のシンプルなシンセで十分で、オシレーターをサイン波1本に設定し、低域の音程感を作る。ピッチエンベロープで「アタック時に音程が落ちていく」動きを付けると808らしさが出る。ADSRのDecayを長めに設定（200〜400ms）して、キックと一緒に鳴った後も音程が維持される時間を作る。

歪み処理チェーン

MONTAGEM DIREÇÃOサウンドの核心がここ。以下の順で処理する：

1. サチュレーション：まずチューブサチュレーターで倍音を加える。クリーンな808だけでは低域しか聞こえないが、サチュレーションで中域に倍音が生まれ、小さなスピーカーでも音程感が伝わるようになる
2. クリッピング/ディストーション：ソフトクリッピングを軽くかけ、808に「押しつぶされた」質感を加える。歪みすぎると音程感が消えるので、かかり具合を聴きながら調整
3. EQ：60〜80 Hz付近を持ち上げてサブ帯域を強調。200〜400 Hzは少し削って音のモコつきを取る

サイドチェイン

キックに合わせて808のレベルが微妙に動くよう、サイドチェインコンプレッションをかける。Ratio 4:1〜8:1、Attack 5〜10ms、Release 80〜150msが出発点。808がキックに負けず、かつ混濁しないバランスを探る。

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Step 3：ドラムパターンの構築

キック

拍1と3に配置するのが基本。MONTAGEM DIREÇÃOスタイルでは「叩きつける」ニュアンスのパンチの強いキックを選ぶ。60〜80 Hz帯に芯があり、アタックが鋭いもの。オフビートに追加ヒットを入れてグルーヴを出す。

スネア＆クラップ

拍2と4。スネア単体だと薄いことが多いので、クラップと重ねて音の密度を上げる。こちらもグリッドから若干ずらすことでヒューマンな揺れが出る。

ハイハット

16分音符の閉じたハイハットをベースに、開いたハイハットをアクセントとして配置。ビットクラッシャーを薄くかけるとデジタルなざらつきが生まれ、フォンク特有のLo-Fi的質感が出る。ベロシティに強弱をつけると動きが出てくる。

カウベル

Phonkの定番要素。MONTAGEM DIREÇÃOスタイルではそこまでカウベルを前に出さないことも多いが、リズムのアクセントとして軽く入れると「フォンクらしさ」が増す。メロディーラインの短いフレーズとして使ってもよい。

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Step 4：ダークなメロディループの作り方

MONTAGEM DIREÇÃOスタイルのメロディは「ビートの邪魔をしないが雰囲気を決める」役割を担う。

メロディの特徴

• マイナーキーで短いフレーズ（1〜2小節ループ）
• ノート数は少なめ。複雑なメロディより「繰り返しによる催眠効果」を意識する
• ダークなシンセパッド、ストリングス系、またはサンプルチョップを使う

処理のポイント

• ローパスフィルター：高域を落として全体を暗く重くする。カットオフを2〜4 kHz付近に設定し、ブリリアントな高音成分を消す
• リバーブ：適度な広がりを出すが、かけすぎると808と干渉する。短めのルームリバーブかプレートリバーブ
• テープサチュレーション：メロディラインにも軽くかけると808との「同じ空間」感が出る

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Step 5：エフェクト処理で質感を統一する

MONTAGEM DIREÇÃOスタイルの重要な要素は「全体がひとつの質感でまとまっている」こと。

マスターバスの処理

1. マルチバンドコンプレッサー：低域・中域・高域それぞれをコントロールして全体のまとまりを作る
2. テープエミュレーション：RC-20 Retro ColorやVHSエミュレーター系で「アナログっぽい劣化」を全体にかける。これだけで別物のようにフォンク感が出る
3. リミッター：-1〜-0.5 dBFSにラウドネスを整えて、配信で音が負けないレベルにする

クリッピングの活用

マスターの最終段階でソフトクリッパーを使うとラウドネスを稼ぎながら音の密度感が増す。MONTAGEM DIREÇÃOサウンドの「押しつぶされた」迫力はここからも来ている。かけすぎると歪みが目立つので、耳で確認しながら適用量を調整する。

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ジャンル別応用

ゲーム系BGM・トレーラー

MONTAGEM DIREÇÃOスタイルはゲーム系プレイリストとの親和性が最も高い。BPMを145〜155に設定し、808の歪みを強調したバージョンはモンスター系・アクション系のBGMとして使いどころがある。メロディを抑えめにしてビートとベースを前に出す構成が映えやすい印象。

ボディウェイト系コンテンツ・フィットネス動画

Gym PhonkプレイリストにMONTAGEM DIREÇÃOが入っている理由は、140 BPM以上のテンポと低域の圧力感が「運動中に気持ちよく感じる」からだと思われる。フィットネス系のSNS動画BGMとしての使いどころは大きい。

TikTok・Reels系ショート動画

バイラルしたスタイルなので、ショート動画のBGMとして使うと「知っている感」が共感を呼ぶことがある。ただし、アグレッシブすぎる音はコンテンツを選ぶ。エネルギー系・スポーツ系・モチベーション系のコンテンツとの相性が特に良い。

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どんな人に向いているか

• アグレッシブ系・Gym PhonkスタイルのPhonkを作りたいDTMer ── MONTAGEM DIREÇÃOサウンドを目指す上で最も直接的な参考になる
• 808の歪み処理に慣れてきた中級者 ── サチュレーション・クリッピングの使い方を理解しているとこのスタイルの理解が早い
• ゲーム系・フィットネス系コンテンツのBGMを作っている人 ── スタイルとコンテンツの相性が高く実用性がある
• Brazilian Phonkの作り方記事を読んで、さらに踏み込みたい人 ── フォンクとは？ブラジリアンPhonkの作り方の次のステップとして読んでほしい内容

逆に、Lo-Fiやチルウェーブのようなゆるいフォンクを作りたい人には方向性が違うので、スタイルを確認してから試してほしい。

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FAQ

MONTAGEM DIREÇÃOとBrazilian Phonkの違いは何ですか？

Brazilian Phonkは「Phonk＋ブラジルのストリートミュージック文化（バイレファンキ）」の融合ジャンル全般を指す言葉です。MONTAGEM DIREÇÃOはその中でも特にアグレッシブ性と808の重さを前面に出したスタイルです。タンボルザン（バイレファンキ特有のリズムパターン）よりも、歪んだ808と圧縮感のある音の壁を作ることが主眼になっています。詳しいジャンルの背景はフォンクとは？ブラジリアンPhonkの作り方も参照してみてください。

808の音程がうまく作れません。コツはありますか？

808はピッチエンベロープで「アタック時に音程が一瞬上がってから落ちる」動きをつけると本物らしさが出ます。また、サチュレーションをかける前と後で音程感が変わることがあるため、処理後に改めてピッチを確認するのがポイントです。DAWのピアノロールで意図したキーにノートを配置し、サイドチェインとの兼ね合いでダイナミクスを整えてから最終的な音程を決めると作業しやすいです。

どのDAWで作るのがおすすめですか？

FL StudioはStep Sequencerとパターンベースの制作がPhonk系ビートとの相性がよく、多くのPhonkプロデューサーが使っている印象です。ただしAbleton LiveやLogic Proでも問題なく制作できます。使い慣れているDAWで始めて、808処理とドラムパターンの組み方を覚えることの方が優先度は高いです。

無料のサンプルパックで作れますか？

808サンプルとドラム系は無料配布のものが多く、Splice・Looperman・ splice.comで「808 phonk」「phonk drums」で検索するとすぐ見つかります。ただしMONTAGEM DIREÇÃOスタイルの重要な要素は「808の処理方法」にあるので、サンプルの質よりもディストーション・サチュレーションの使い方を習得することが先決です。

テンポは必ず140〜155 BPMでなければいけませんか？

このスタイルのエネルギー感には140 BPM前後が合っている印象ですが、絶対的な規則はありません。135 BPM以下になるとPhonk Houseやチルフォンク寄りの雰囲気になり、160 BPM以上ではドリフトフォンクやスピードコア的な方向に近づきます。MONTAGEM DIREÇÃOのアグレッシブな質感を出したいなら140〜155の範囲が最も適していると思われます。

AI作曲ツール、増えすぎです。

Suno、Udio、SOUNDRAW、AIVA、Stable Audio、Beatoven.ai、Mubert、Eleven Music……。

名前だけ見ると、どれも「AIで音楽を作れるツール」に見えます。
でも実際には、かなり役割が違います。

歌入りの曲を一瞬で作りたいのか。
YouTube用のBGMを安全に作りたいのか。
ゲームや映像用の劇伴を作りたいのか。
自分の曲作りのアイデア出しに使いたいのか。

ここを間違えると、かなり遠回りします。

この記事では、2026年5月11日時点の公式情報をもとに、主要なAI作曲ツールをDTM・音楽制作・動画制作の視点で比較します。

まず結論：目的別おすすめ

先に結論です。

目的	おすすめ候補	向いている人
歌入りの曲をすぐ作りたい	Suno / Udio / Eleven Music	作詞、仮歌、デモ曲、SNS用楽曲を作りたい人
AI曲の完成度を重視したい	Suno / Udio	生成結果のインパクトを重視する人
商用BGMを安全に使いたい	SOUNDRAW / Beatoven.ai / Mubert	YouTube、広告、動画、ポッドキャスト制作者
オーケストラ・劇伴系を作りたい	AIVA / Stable Audio	映像音楽、ゲーム音楽、シネマティック系
DAW制作のネタ出しに使いたい	Suno / Udio / Stable Audio	メロディ、構成、アレンジの参考が欲しいDTMer
権利面を重視したい	SOUNDRAW / Beatoven.ai / Eleven Music	商用利用やクライアント案件で使いたい人

個人的には、最初に試すならこの分け方が分かりやすいです。

• 歌モノを作るなら Suno / Udio
• BGM素材を作るなら SOUNDRAW / Beatoven.ai / Mubert
• 劇伴・オーケストラなら AIVA / Stable Audio
• 商用利用や権利面を重視するなら各サービスの有料プランと規約確認

AI作曲ツールは「どれが最強か」より、「何に使うか」で選ぶべきです。

AI作曲ツールを選ぶときの5つの基準

AI作曲ツールを比較するときは、音質だけで選ばない方が良いです。

見るべきポイントはこの5つ。

1. 歌入りに強いか、BGMに強いか
2. 無料プランで商用利用できるか
3. 生成後に編集できるか
4. WAV / STEM / MIDIなどを書き出せるか
5. 著作権・商用利用・配信利用の条件が分かりやすいか

特に重要なのは、商用利用です。

無料で生成できても、YouTube収益化、広告、クライアント案件、Spotify配信に使えるとは限りません。AI作曲ツールはサービスごとにライセンス条件が大きく違います。

「無料で作れたから自由に使える」と考えるのは危険です。

ここは必ず確認しましょう。

Suno：歌入りAI作曲の最有力候補

Sunoは、2026年時点でもAI作曲ツールの代表格です。

テキストプロンプトから、歌入りの楽曲をかなり簡単に作れます。J-POP風、EDM風、ロック風、アニメ主題歌風、Lo-Fi、シティポップなど、ジャンル指定も分かりやすいです。

公式の料金ページでは、無料プランでもv4.5-allにアクセスでき、毎日50クレジット、目安として10曲分の生成が可能とされています。ただし無料プランは商用利用不可です。有料のPro / Premierでは、より新しいモデルや商用利用権、ステム分離、アップロード時間の拡張などが用意されています。

Sunoの強み

• 歌入り楽曲を作るスピードが速い
• 初心者でもプロンプトだけで曲になる
• ボーカル、歌詞、アレンジまで一気に出せる
• Pro以上では商用利用権が付く
• ステム分離や高度な編集機能も強化されている

Sunoの弱点

• 無料プランは商用利用不可
• 生成結果が良くも悪くも「AI曲っぽい」場合がある
• 歌詞の日本語ニュアンスは調整が必要
• 細かいコード進行や演奏ニュアンスを完全指定する用途には向かない

向いている人

• 歌入りのデモ曲をすぐ作りたい人
• 作詞やメロディのアイデアが欲しい人
• SNS用の短い楽曲を作りたい人
• 「まず完成形を聴いてから作りたい」DTMer

Sunoは、とにかく速いです。

曲の完成イメージを一気に出す力があります。
一方で、細かい編曲を詰めるというより「まず曲として成立したものを出す」方向に強いツールです。

Udio：音楽的なニュアンスを探りたい人向け

Udioも、Sunoと並んで人気の高いAI作曲ツールです。

公式ヘルプによると、無料アカウントでは1日10クレジット、追加で月100クレジットの制限があり、無料アカウントでは約2分の曲生成に1日あたりの制限があります。有料アカウントではStandardやProで月ごとのクレジット上限が増えます。

Udioの魅力は、生成される音楽の質感やジャンルの雰囲気作りです。Sunoが「分かりやすく曲になる」方向だとすると、Udioはもう少し音楽的なニュアンスや質感を探りやすい印象があります。

Udioの強み

• 歌入り・インスト両方に対応
• ジャンル感や雰囲気の作り込みがしやすい
• Remix、Inpaint、Editなどの編集系機能がある
• 音楽的な質感を探る用途に向く

Udioの弱点

• クレジット管理がやや分かりにくい
• 無料枠では長尺生成に制限がある
• 商用利用条件はプランや規約の確認が必要
• 生成結果を詰めるには試行回数が必要

向いている人

• AI曲の質感を細かく探りたい人
• 歌入り曲の別案を大量に作りたい人
• ジャンルの雰囲気やアレンジの参考が欲しい人
• Sunoと比較しながら使いたい人

SunoとUdioは、どちらか一方だけが正解ではありません。

同じ歌詞、同じジャンル指定でも、出てくる結果がかなり違います。
DTMerなら、むしろ両方に同じプロンプトを投げて、良い部分をDAW制作の参考にするのもアリです。

Udio | AI Music Generator – Official Website

Eleven Music：商用利用と多言語ボーカルを重視する新しい選択肢

Eleven Musicは、ElevenLabsのAI音楽生成ツールです。

公式ヘルプでは、自然言語プロンプトから高品質な音楽トラックを生成でき、ジャンル、ムード、スタイル、構成、楽器編成、歌詞、ボーカルなどをコントロールできると説明されています。英語だけでなく日本語を含む複数言語のボーカルにも対応しています。

また公式ページでは、Self-Serveプランでは一部用途を除きオンライン・オフラインの商用利用が可能、Enterpriseではより広い商用利用が可能とされています。

Eleven Musicの強み

• スタジオグレードの楽曲生成をうたっている
• 多言語ボーカルに対応
• 商用利用を前提にした設計
• APIやマーケットプレイス展開もある
• 音声AIで強いElevenLabsの技術文脈がある

Eleven Musicの弱点

• サービス体系がやや新しく、料金・規約確認が重要
• Spotifyなど音楽配信用途では、マーケットプレイス系の制限も確認が必要
• Suno / Udioほど日本のDTM層に定着していない

向いている人

• 商用利用を意識したAI楽曲を作りたい人
• 日本語を含む多言語ボーカルを試したい人
• API連携やプロダクト組み込みも視野に入れる人
• YouTube、広告、ゲーム、映像向けにAI音楽を使いたい人

Eleven Musicは、今後かなり注目されそうです。

特に「AI音楽を商用で使う」前提の人は、Suno / Udioだけでなく候補に入れておきたいツールです。

Eleven Music (Eleven Labs)をチェックするにはこちら

SOUNDRAW：YouTube・広告・BGM用途に強い

SOUNDRAWは、歌入りの完成曲を作るというより、動画・広告・配信用のBGM生成に強いAI音楽ツールです。

公式ページでは、SOUNDRAWのAIは自社制作の音楽だけで学習しており、生成した楽曲を商用利用・収益化・共有できると説明されています。また、ミキサーで楽器のオンオフ、強弱、尺などを調整でき、WAVやステムのダウンロードにも対応しています。

SOUNDRAWの強み

• BGM用途に強い
• 商用利用や収益化を前提にした説明が分かりやすい
• ステムを書き出してDAWで編集できる
• YouTube、ポッドキャスト、広告、ゲームなどに使いやすい
• ジャンルを混ぜる発想が分かりやすい

SOUNDRAWの弱点

• 歌入りのフル楽曲生成というよりBGM・ビート寄り
• 無料で自由にダウンロードできるタイプではない
• 音楽作品として配信する場合はプラン選びが重要

向いている人

• YouTube用BGMを作りたい人
• 広告やショート動画用の曲が欲しい人
• 歌入りAI曲より、著作権面で使いやすいBGMが欲しい人
• ステムをDAWに読み込んで編集したい人

DTMサイト目線で見ると、SOUNDRAWは「作曲AI」というより「商用BGM生成ツール」と考えた方が分かりやすいです。

SOUNDRAW｜著作権フリーのAI作曲

Beatoven.ai：動画・ポッドキャスト向けBGMに使いやすい

Beatoven.aiは、動画、ポッドキャスト、ゲーム、広告などの背景音楽を作る用途に向いたAI音楽生成ツールです。

公式ページでは、プロンプトからBGMを作れる「maestro Music」や、効果音生成の「maestro Sound Effects」が紹介されています。ダウンロード時には、動画や音声コンテンツで収益化できる非独占・永続ライセンスが付与されると説明されています。

料金ページでは、無料のTrialに加えて、月額や年額のCreator / Visionaryプラン、必要に応じて分単位で購入できるプランが用意されています。

Beatoven.aiの強み

• 動画やポッドキャストBGMに向く
• 効果音生成もある
• 収益化できるライセンスが明記されている
• 必要な分だけ分単位で買える選択肢がある
• UIが比較的分かりやすい

Beatoven.aiの弱点

• 音楽配信向けの楽曲制作には向かない
• 生成した曲の所有権はBeatoven.ai側に残ると説明されている
• ストリーミング配信や再販売用途には制限がある

向いている人

• YouTube動画のBGMが欲しい人
• ポッドキャスト、ゲーム、ショート動画を作る人
• 商用利用できるBGMを手早く作りたい人
• 歌入り曲より、背景音楽を重視する人

Beatoven.aiは、音楽家向けというよりコンテンツ制作者向けです。

「自分の曲」としてリリースするより、「自分の動画に合うBGM」を作るツールですね。

Beatoven.ai: Royalty Free AI Music Generator

Mubert：大量のBGM生成・API用途に強い

Mubertも、AI BGM生成サービスとして有名です。

公式ページでは、無料プランは非商用で月25トラック、MP3品質、月5ダウンロード。Creatorは月500トラック、最大25分、ロスレス品質、無制限ダウンロード。ただしCreatorは非商用表記。Proは月39ドルで商用利用、Businessは月199ドルでアプリや代理店向けとされています。

Mubertの強み

• BGM生成量が多い
• 長めのBGMを作りやすい
• APIプランもあり、アプリやサービス組み込みに向く
• YouTube、ポッドキャスト、広告、ゲーム向けの用途ページが多い

Mubertの弱点

• 無料・Creatorは非商用の扱いに注意
• 歌入り楽曲制作には向かない
• 商用利用はPro以上を検討する必要がある

向いている人

• 大量のBGMを作りたい人
• 動画チャンネルを複数運用している人
• アプリやゲームにBGM生成機能を組み込みたい人
• 商用BGMをスケールさせたい人

Mubertは、個人の1曲制作より、動画・サービス・API文脈で強い印象です。

≻ Mubert AI音楽ジェネレータ — ロイヤリティフリー音楽 ✓ 最高のAI音楽ジェネレータ

AIVA：オーケストラ・劇伴系に強いAI作曲

AIVAは、AI作曲ツールの中でもオーケストラ、シネマティック、ゲーム音楽、劇伴系の文脈で語られやすいサービスです。

公式ページでは、無料プランは非商用利用のみで、AIVAへのクレジット表記が必要、月3ダウンロード、3分まで、MP3とMIDI形式に対応とされています。StandardはYouTube、Twitch、TikTok、Instagramなど一部の収益化向け。Proでは作曲物の著作権をユーザーが持ち、無制限の収益化、WAV書き出しなどが可能と説明されています。

AIVAの強み

• オーケストラ・劇伴系に強い
• MIDIを書き出せる
• Proでは著作権の扱いが明確
• 映像音楽、ゲーム音楽、クラシック寄りに向く

AIVAの弱点

• 無料プランは非商用で制限が強い
• 歌入りポップス生成ならSuno / Udioの方が分かりやすい
• 現代的なポップスやラップの生成ツールとしてはやや用途が違う

向いている人

• ゲーム音楽を作りたい人
• オーケストラ曲の下書きが欲しい人
• MIDIを書き出してDAWで編集したい人
• 劇伴やBGM制作を学びたい人

DTMerにとってAIVAの面白いところは、MIDIを書き出せる点です。

AIが作った曲をそのまま使うだけでなく、MIDIをDAWに読み込んで、自分の音源で鳴らす。コード進行やオーケストレーションの参考にする。こういう使い方ができます。

AIVA, the AI Music Generation Assistant

Stable Audio：音楽と効果音の生成に強い

Stable Audioは、Stability AIによる音楽・音声生成サービスです。

公式の料金ページでは、Personal、Creator、Enterpriseの3つのライセンス種別が示されています。Personalは個人・非商用向け。Creatorは個人の商用プロジェクトや音楽リリースに使えるライセンス。Enterpriseは中規模以上の組織向けで、より広い商用利用やカスタマイズが想定されています。

Stable Audioの強み

• 音楽だけでなく効果音生成にも向く
• 商用利用向けのCreatorライセンスがある
• Stability AI文脈の技術的な安心感がある
• ゲーム、映像、効果音、短尺BGMに使いやすい

Stable Audioの弱点

• 歌入り楽曲ならSuno / Udio / Eleven Musicの方が分かりやすい
• ライセンス別の用途確認が必要
• 日本語での情報はまだ少なめ

向いている人

• 効果音や短尺BGMを作りたい人
• ゲームや映像向けの音素材が欲しい人
• 商用利用前提で音素材を生成したい人
• AI音楽をプロダクトに組み込みたい人

Stable Audioは「曲を丸ごと作る」だけでなく、音素材を作るツールとして見るとかなり使いどころがあります。

AI Solutions for Everywhere Your Sounds Shows Up | Stable Audio 2.5 — Stability AI

比較表：主要AI作曲ツールの違い

ツール	得意分野	無料利用	商用利用の注意	DTM的な使い道
Suno	歌入り曲、デモ曲、SNS曲	あり	無料は商用不可。有料で商用利用権	仮歌、メロディ、構成案
Udio	歌入り曲、質感重視のAI曲	あり	プラン・規約確認が必要	別アレンジ案、ジャンル研究
Eleven Music	多言語ボーカル、商用向けAI曲	あり	Self-Serve / Enterpriseで範囲が異なる	商用曲、API、ボーカル曲
SOUNDRAW	商用BGM、動画、広告	試用あり	プランごとの用途確認	BGM、ステム編集
Beatoven.ai	動画・ポッドキャストBGM	あり	非独占ライセンス。配信・再販売制限あり	動画BGM、効果音
Mubert	大量BGM、API	あり	無料・Creatorは非商用表記に注意	動画BGM、アプリBGM
AIVA	オーケストラ、劇伴	あり	無料は非商用。Proで著作権移転	MIDI下書き、劇伴
Stable Audio	音素材、効果音、BGM	あり	Personal / Creator / Enterpriseで範囲が違う	効果音、短尺BGM

DTMerはAI作曲ツールをどう使うべきか

DTMerにとって、AI作曲ツールは「作曲を全部任せるもの」だけではありません。

むしろ便利なのは、次のような使い方です。

1. メロディのたたき台にする

自分でメロディを作ると、どうしても手癖が出ます。

AIに同じテーマで何パターンも生成させると、自分では出しにくい跳躍、リズム、フレーズの入り方が出てくることがあります。

そのまま使うというより、良い部分だけ拾う。

これがかなり実用的です。

2. 曲構成の参考にする

イントロ、Aメロ、Bメロ、サビ、間奏、落ちサビ。

AI曲は構成が雑なこともありますが、逆に「この展開はアリだな」と思う瞬間もあります。

特にSunoやUdioは、短時間で複数の完成形を出せるので、アレンジの方向性を探るには便利です。

3. 仮歌として使う

歌モノを作る人にとって、仮歌はかなり大事です。

ボカロや歌い手に依頼する前に、AIで歌入りのデモを作る。
歌詞の乗り方、キーの高さ、サビの強さを確認する。

これはかなり使えます。

ただし、最終的に商用利用するなら、そのAI音源の利用条件は必ず確認してください。

4. BGM素材として使う

YouTube、ポッドキャスト、ショート動画、広告、ゲーム。

こうした用途では、SOUNDRAW、Beatoven.ai、MubertのようなBGM系サービスが便利です。

歌入り曲を無理にBGMにすると、情報量が多すぎてナレーションや映像の邪魔になることがあります。

BGMは、主役ではなく支える音。

ここを意識すると、ツール選びも変わります。

AI作曲ツールで注意すべきこと

AI作曲ツールを使うときに一番怖いのは、音質ではなく権利面です。

最低限、次の項目は確認してください。

• 無料プランで商用利用できるか
• YouTube収益化に使えるか
• 広告やクライアント案件に使えるか
• SpotifyやApple Musicに配信できるか
• 生成物の著作権は誰が持つか
• クレジット表記が必要か
• 解約後も生成物を使えるか
• ステムやMIDIを書き出せるか

特に「YouTubeで使える」と「音楽配信できる」は別です。

YouTubeのBGMとして使えるツールでも、Spotifyに自分の楽曲として配信することは禁止されている場合があります。

ここを混同しない方が良いです。

どれを選べばいい？目的別の最終結論

最後に、目的別にもう一度まとめます。

歌入りAI曲を作りたい

まずはSunoとUdioを試すのがおすすめです。

とにかく曲になる速さならSuno。
雰囲気や質感を探りたいならUdio。

商用利用を考えるなら、有料プランと規約確認は必須です。

商用BGMを作りたい

SOUNDRAW、Beatoven.ai、Mubertが候補です。

動画、広告、ポッドキャスト、ゲームなどに使いやすいです。特にSOUNDRAWは、自社制作音源のみで学習している点や商用利用の説明が分かりやすいです。

劇伴・ゲーム音楽を作りたい

AIVAとStable Audioが候補です。

AIVAはMIDI書き出しがあるため、DAWで編集したい人に向きます。Stable Audioは効果音や短尺BGMも含めて、映像・ゲーム向け音素材として使いやすいです。

AI作曲をDTMの補助に使いたい

個人的には、Suno / Udioで曲の方向性を出し、AIVAやStable Audioで劇伴・素材系を補い、必要に応じてSOUNDRAWやBeatoven.aiでBGMを作る流れが使いやすいです。

AIが作ったものをそのまま完成品にするのではなく、

• 良いメロディを拾う
• 曲構成を参考にする
• 仮歌として使う
• BGMや効果音を時短する
• DAWで自分の音に作り替える

このくらいの距離感が、DTMerにはちょうど良いと思います。

まとめ：AI作曲ツールは「作曲代行」ではなく「制作補助」として使う

2026年現在、AI作曲ツールはかなり実用的になっています。

SunoやUdioを使えば、歌入りの曲を数分で作れます。
SOUNDRAWやBeatoven.aiを使えば、動画向けBGMを素早く用意できます。
AIVAやStable Audioを使えば、劇伴や音素材の下書きも作れます。

ただし、AI作曲ツールは万能ではありません。

細かい演奏ニュアンス、歌詞の深さ、ミックスの質感、アレンジの説得力。ここはまだ人間の判断が必要です。

そして何より、商用利用や著作権の条件はサービスごとに違います。

──AI作曲ツールは、作曲を奪うものというより、制作の初速を上げる道具です。

最初のアイデア出し。
仮歌。
BGM。
効果音。
構成案。

こういう場面でうまく使うと、曲作りのスピードはかなり上がります。

まずは無料プランで試しつつ、商用利用する段階で必ず有料プランと規約を確認する。
これが、2026年時点で一番失敗しにくいAI作曲ツールの使い方です。

動画制作者や配信者なら、誰もが一度は経験する重い悩みです。そして、DTMerの方でも「曲のアイデアが全く湧いてこない」という日があるはずです。

そんなすべてのクリエイターの救世主となるのが、完全ロイヤリティフリーの音楽をAIが数秒で自動生成するMusicCreator AIです。

テキストから音楽を作るだけでなく、ボーカルの抽出やラップ生成までこなすこのツールは、音楽制作の知識がなくても「あなただけの専属作曲家」として働いてくれます。

本記事では、DTM歴10年の筆者が、MusicCreator AIの驚異的な機能群と、クリエイター別の超実践的な活用術を網羅的に大解説します！

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MusicCreator AIの利点として音楽制作のためのツールが一体化している点があります。

あなたがもしも歌詞作成をChatGPTなどのAIツールに任せているなら、作曲AIとChatGPTを行来しないといけませんが、MusicCreator AI内に歌詞制作のツールが入っているので、MusicCreator AIだけで音楽制作が完結できます。ツールを行来する手間が省けるメリットがあります。

動画のBGM探しで疲れ果てていませんか？

YouTubeやTikTokで動画を作る際、映像のクオリティと同じくらい重要なのが「音楽（BGM）」です。しかし、この音楽探しに途方もない時間を奪われているクリエイターは少なくありません。

動画の雰囲気にぴったりのオシャレでカッコいい曲を見つけても、「著作権で保護されているため使えない」という事態に直面することが頻繁に起きます。せっかく高いモチベーションで編集を終えたのに、音源の権利問題のせいで公開できない悔しさは本当に堪え難いものです。

こうした悩みを解決するために、フリー音源サイトを何時間も巡回して妥協の曲を選ぶ、という不毛な作業から今すぐ抜け出しましょう。

YouTubeの著作権問題とBGM選びの憂鬱

YouTubeには「Content ID」という超強固な自動監視システムが存在します。市販のCD音源や、権利が厳格に管理されている楽曲をほんの数秒使っただけでも、システムは瞬時にそれを見つけ出します。

警告を受けると、最悪の場合は動画が削除されたり、チャンネルの収益化が完全にストップしてしまいます。これを恐れるあまり、多くの動画クリエイターは本来付けたかった表現力豊かな音楽を諦め、無難で当たり障りのない曲を選ばざるを得ない状況に追い込まれています。

動画のテンポや感情に完璧にシンクロするBGMを、著作権の恐怖ゼロでガンガン使うことができたら、映像作品の魅力は何百倍にも跳ね上がります。

[!NOTE] Content ID: YouTubeが提供している、著作権で保護されたコンテンツを自動で検知して管理する強固なシステム。 収益化: 動画の再生数などに応じて、広告収入を得られるようにする仕組み。

既存のフリー音源では他の動画と被ってしまう悩み

しかし、誰でも無料で使える高品質な音源は、すでに世界中の何百万というクリエイターによって使い古されています。「あ、この曲、あの有名YouTuberのエンディングと同じだ」と感じたことはありませんか？

フリー音源ばかりを使っていると、あなたのチャンネルやポッドキャストの独自性（ブランド力）が徐々に薄れてしまいます。「この音楽といえば、あのチャンネルだ」という強烈なアイデンティティを作ることが、現代の激しいコンテンツ争いを勝ち抜くための必須条件なのです。

[!NOTE] ブランド力: 他の誰とも違う、その人（チャンネル）特有の魅力や価値のこと。 アイデンティティ: 自分らしさ。他と明確に区別できる独自の特徴。

結論：MusicCreator AIがあなたの「専属作曲家」になる

この「著作権の憂鬱」と「独自性ゼロ問題」を、冗談抜きでたったの数秒で完全に消し去ってくれる化け物ツールがあります。それが今回紹介するMusicCreator AIです。

ハッキリ言って、これを使えば誰でも一瞬でプロの作曲家になれます。

「MusicCreator AI」は、最新の人工知能を駆使して、あなたの指示通りに世界に一つだけのオリジナル楽曲を生み出してくれる驚異的なプラットフォームです。

テキストで作りたい曲のイメージを入力したり、手持ちの歌詞を読み込ませたりするだけで、数秒後にはボーカル入り、楽器演奏入りのフルコーラス楽曲が完成してしまいます。しかも、出来上がった楽曲の権利はすべてあなたが自由にコントロールできるのです！

[!NOTE] プラットフォーム: サービスやソフトウェアを動かすための土台となる巨大なシステムやウェブサイト。 フルコーラス: 曲の最初から最後まで、すべての構成（1番、2番、サビなど）が揃っている状態。

100%ロイヤリティフリーで全権利を所有できる安心感

MusicCreator AIの最大にして最強のメリットは、生成したすべての音楽が100%ロイヤリティフリーであるという点です。

[!NOTE] ロイヤリティフリー:
一度取得すれば、その後は何度でも追加の使用料（ロイヤリティ）を支払うことなく自由に使えるライセンスのこと。 Spotify: 世界中で何億人ものユーザーが利用している、定額制の音楽ストリーミング配信サービス。

ここで作られた曲は、YouTubeはもちろん、ポッドキャスト、ゲーム制作、商業用のテレビCM、さらにはSpotifyなどの音楽配信サービスでリリースしても追加料金や権利侵害のクレームは一切発生しません！

あの「動画をアップロードした直後の、著作権チェックで引っかからないか祈る時間」はもう永遠にやってきません。純度100%、自分だけのオリジナルBGMを武器にして、自信を持ったコンテンツ発信が可能になります。

テキストを入力するだけでプロ級の音楽が数秒で完成

MusicCreator AIは、音楽理論の知識を完全にスキップして「言葉」から音楽を生み出します。例えば「静かな海辺で聴きたい、暖かいアコースティックギターのリラックスした曲」と入力すれば、AIがその情景を見事に再現した極上のサウンドトラックをスッと提示してくれます。

ジャンル指定も自由自在で、最新のEDMからドープなヒップホップ、壮大なオーケストラまで、思いつく限りの音楽スタイルを魔法のように錬成できるのです。

[!NOTE] EDM: エレクトロニック・ダンス・ミュージックの略。電子音を多用した踊れる音楽の総称。 ドープ: ヒップホップ用語で「最高にカッコいい」「深く心に刺さる」といった意味を持つ激賞の言葉。 錬成: バラバラの素材を組み合わせて、全く新しい別のものを作り出すこと。

MusicCreator AIのヤバすぎる機能群を徹底解説

さて、MusicCreator AIがただの「自動作曲ボタン」だと思ったら大間違いです。

このサイトには、最新の音楽AIテクノロジーを惜しげもなく詰め込んだ、信じられないほど多彩な機能群が用意されています。動画クリエイターだけでなく、我々のような現役のDTM作曲家ですら度肝を抜かれるレベルです。

ここからは、絶対に使いこなしておくべきMusicCreator AIの強烈なコア機能を一つずつ解き明かしていきましょう。テンションが上がらずにはいられない機能ばかりです！

[!NOTE] コア機能: そのサービスやシステムの中で、最も中心となる重要な役割を果たす機能。 DTMer: パソコンを使って音楽制作（DeskTop Music）を行う人のこと。

AI Music Generator：イメージをそのまま音楽に

真っ先に触るべきメインエンジンが、この「AI Music Generator」です。

この機能の凄まじさは「生成の引き出しの多さ」にあります。

単にテキストプロンプト（指示文）から曲を作るだけでなく、アップロードした「写真」の雰囲気を読み取ってメロディを生成したり、あなたが持っている「歌詞」を打ち込むだけで、プロのシンガーが歌い上げるフルボーカル曲を作り出すことができます。

例えば、「自分の誕生日の思い出の写真」をアップロードして、自分専用の超ハイクオリティなバースデーソングを生成するという、今までの常識では考えられなかった遊び方も出来てしまいます。

Photo to Musicやってみた

例えば猫の画像をPhoto to Musicにいれると、画像を認識してそこから歌詞とプロンプトを自動で作ってくれます！これが非常に良かった。

曲のイメージを作るときに画像があると、画像と曲がリンクして自分でもイメージしやすいですよね？

イマジネーションを膨らませつつ、そこから面倒なプロンプトと歌詞生成をMusicCreator AIが自動でやってくれるので曲の作成プロセスが早くなります。（もちろん自分で歌詞とプロンプトを入れることも可能）

[!NOTE] プロンプト: AIに対して「こういうものを作って」と指示を出すための文章や命令文のこと。 歌詞: 音楽に合わせて歌われる言葉の並び。音楽のメッセージを伝える重要な要素。

AI Stem Splitter＆Vocal Remover：既存曲の魔法の分解

この「AI Stem Splitter（ステム分割）」と「Vocal Remover（ボーカル除去）」機能も定番となってきましたが必要な人には欠かせないツールです。

[!NOTE] ステム（Stem）: 楽曲を構成するボーカルやドラムなど、楽器パートごとにまとめられた個別の音声データ。 リミックス: 既存の楽曲のデータを切り貼りしたり、別の音を足したりして、全く新しい雰囲気の曲に作り変えること。

これは、すでに完成して1つの音声ファイルになっている楽曲データを、AIの力で「ボーカル」「ドラム」「ベース」「その他の楽器」というように、各パートごとのバラバラのデータ（ステム）に綺麗に分解してしまう神機能です。

動画制作者であれば、「この曲カッコいいけど、歌声が入っているから動画のBGMには使えないな」という時に歌声だけをスパッと消し去る（カラオケ化する）ことができます。リミックスを作りたい音楽クリエイターにとっては、よだれが出るほど欲しい魔法のツールです！

AI Rap Generator＆Lyrics Maker：言葉に命を吹き込む

「自分への応援歌を作りたいけれど、リリック（歌詞）が全く思いつかない」そんな時に爆発的な威力を発揮するのが「AI Rap Generator」と「Lyrics Maker」です。

あなたの現在の感情や、曲に込めたいテーマを簡単に入力するだけで、AIが完璧に韻（ライム）を踏んだキレッキレのラップの歌詞や、エモーショナルなポップスの歌詞を瞬時に書き上げてくれます。そればかりか、生成された歌詞をそのまま指定した声質で歌わせて、曲として完成させるところまで一発でやってのけます！

ポッドキャストのオープニングジングルとして「自分の番組名を連呼するハイテンションなラップ」を作るなんていうことも、コーヒーを淹れている間に完了してしまう手軽さです。

[!NOTE] リリック: 特にヒップホップやラップなどの音楽ジャンルにおいて、「歌詞」を指すかっこいい言い回し。 韻（ライム）: 複数の言葉の母音（あいうえお）を揃えることで、リズムに乗せた時に心地よい響きを生み出すテクニック。 ジングル: ラジオやポッドキャストの番組の合間に流れる、数秒程度のキャッチーな短い音楽。

AIミュージックビデオ機能

面白いのがAIミュージックビデオ機能です。

MusicCreator AI内で作成した曲を自動でミュージックビデオ化できます！映像制作が苦手な人には非常に嬉しい機能です。

正直なところ、歌詞が出てくるタイミングが微妙にずれていることがあるのですが（日本語の影響？？）

10クレジット使えば、複数の写真をAIが勝手に付けてくれて、歌詞も自動につけてくれて、オーディオビジュアライザー（サウンドウェーブ）も付けてくれるので労力を減らすにはめちゃくちゃ嬉しい機能です。

もう少し精度が上がれば十分使える機能に昇華するでしょう。そのときはすぐかもしれません。

MusicCreator AIで作った曲をMusicCreator AI内でミュージックビデオ化したものです。歌詞もおまかせて作成したため、ユーザーはテーマをMusicCreator AIに与えるだけでミュージックビデオまで作成できます。生成に時間がかかるのですが、プロンプト入力からミュージックビデオ作成まで20分もあれば完成します。

「MusicCreator AI」 VS 「Suno AI」

※2026年4月21日時点の機能比較

「完成品のクオリティを追求するSuno」と、「入力の多様性と生成後の編集に重きを置いたMusicCreator」という明確な設計思想の違いがあります。

機能・特徴	Suno AI	MusicCreator AI
最大の強み	圧倒的なボーカル品質と楽曲構成力	多彩な入力方法と生成後の編集機能
主な入力方法	テキスト（プロンプト）、歌詞、オーディオ	テキスト、歌詞、写真・画像
出力・書き出し	オーディオ（MP3/WAV）、ステム分離（ボーカル/オケ）	オーディオ、ステム分離、MIDI変換
独自機能	既存音源からの楽曲展開（Audio Input）	画像からの音楽生成、AIカバー（声の変換）

気になった点

MusicCreator AI にコミュニティ機能はなし

MusicCreator AIにはSUNOのコミュニティ機能がありません。コミュニティ機能はSUNO上で作った曲をユーザー同士で聞き合いコメントをつけあえる機能です。

SUNOに比べると生成時間が長めなのでたくさん曲をつくりたいときは待ち時間が気になりました。またSUNOを使ったことがある方だとちょっとAIの生成ノイズの多さは気になるかと思います。

音楽ツールがめちゃくちゃたくさんあって面白いのだけど
使ったツールからMIDIエディタにいった後に、使っていたツールへ戻れなくなるのはどうにかしないとダメですね。
ブラウザで動いている都合上難しいのかもしれません。

プロンプトを入れるときの注意点

アーティスト名をいれてのプロンプトは通りません。アイアン・メイデン風にしてほしいからプロンプト内に「iron maiden」など特定のアーティスト名を書いてしまうと必ず失敗します。この点はSUNOも同様ですのでマナーとして覚えておきたいところです。

クレジットは必ず毎月使い切ること

未使用のクレジットは更新日に削除されます。クレジットは毎月同じ日付にリセットされます。例えば、1月1日に購読した場合、2月1日、3月1日などにリセットされます。

どちらを選ぶべきか？

• Suno AIがおすすめなケース: とにかくハイクオリティなボーカル入りの完成音源がすぐに欲しい場合や、歌詞の世界観をそのまま「聴ける楽曲」として具現化したい場合。
• MusicCreator AIがおすすめなケース: 写真などのビジュアルイメージから楽曲の着想を得たい場合や、AIが作ったメロディやコード進行をMIDIとして抽出し、自身のDAW環境で徹底的に作り込みたい場合。

実践！YouTuber・クリエイター別の超・活用術

MusicCreator AIの恐ろしさがお分かりいただけたでしょうか！

ここからは、実際にあなた自身のクリエイター活動の中にどのようにこのツールを組み込んでいけば良いのか、属性別に超実践的なワークフローを解説します。

最新のAIツールは「持っているだけ」では腐らせてしまいます。この信じられない力をフル稼働させて、ライバルたちに圧倒的な差を見せつけましょう！

[!NOTE] 属性別: 学生、会社員、動画制作者、音楽家など、人の立場や種類ごとに分けること。 フル稼働: 持っているすべての力や機能を、限界まで引き出して一斉に使うこと。

YouTuber：もうContent ID警告に怯えないオリジナルBGM構築

YouTuberにとって、このツールはまさに「最終兵器」です。

あなたのチャンネルの動画ジャンルに応じた数十曲ものオリジナルBGMライブラリを、たったの1時間で構築することができます。「トーク中は静かなLo-Fiビート」「ゲームの実況の盛り上がりでは燃えるようなパンクロック」など、シーンに合わせた専用のBGMを無限にストックしておきましょう。

これにより、著作権侵害の警告（ストライク）に怯える日々から完全に開放されます。すべてのBGMがあなたのためだけにAIが作ったオリジナル楽曲になるため、視聴者にとっても「このチャンネルの音」という強力なブランド認知が定着していきます！

[!NOTE] 最終兵器: 問題をすべて一撃で解決してくれる、とてつもなく強力で頼りになる手段のこと。 警告（ストライク）: YouTubeで規約違反や著作権違反を行った際に受けるペナルティ。重なるとチャンネルが消滅（バン）されます。 Lo-Fi（ローファイ）ビート: わざとレコードのノイズを入れたりして音質を少し落とした、落ち着いた雰囲気のヒップホップ風BGM。

DTM作曲家：アイデア出しとサンプリング素材の宝庫として使う

我々のようなDTMerや作曲家にとっても、MusicCreator AIはとんでもない可能性を秘めています。

メロディが降ってこない日には、テキストベースでAIに数パターンの曲を生成させ、それを「インスピレーションの種」として使いましょう。一番の強みは、生成された曲のMIDIデータ（音階のデータ）を書き出して、手持ちの高級なソフトウェアシンセサイザーで鳴らし直すという強烈な裏技です。

自分でゼロから作り込んだビートの上に乗せるためのボーカル素材（アカペラ）を、このAIのボーカル生成機能とステム抽出を使って生み出し、そこから激しくエディットしていく。そんな最先端のサンプリング・ミュージックが、今日からすぐに始められます！

[!NOTE] ソフトウェアシンセサイザー: パソコン上で動く、疑似的に楽器の音を出すプログラムのこと。 アカペラ: 楽器の伴奏が一切ない、人間の声（歌声）だけの音声データのこと。 エディット: 録

音された音声を切り刻んだり、逆再生したりして、音楽的にかっこよく加工する作業。

まとめ：今すぐ完全無料でお試し！音楽制作の常識を覆そう

MusicCreator AIの魅力と、その圧倒的な破壊力についてお届けしました。

はっきり申し上げて、音楽制作のハードルは過去になかったレベルで暴落しています。「楽器が弾けない」「著作権が怖い」「音楽理論がわからない」という今までの言い訳は、このツールの登場によって完全に過去のものとなりました！

MusicCreator AIを使うことであなたの頭の中にだけあった素晴らしい世界観を、誰にも文句を言わせない「完全オリジナルの音楽」として形にすることができます！

クリエイターとしての武器を１つ増やすタイミング

動画のクオリティを底上げしたいクリエイターも、アイデアの枯渇に苦しむ作曲家も、MusicCreator AIは間違いなくあなたの活動を次の次元へ押し上げてくれます。

すべての機能が一つのウェブサイト上で完結し、重いソフトのインストールすら不要。思い立ったその瞬間にブラウザを開くだけで、専用のAIスタジオが立ち上がるのです。

この衝撃的な体験を、指をくわえて見ている手はありません。

MusicCreator AIで自分だけの名曲を生み出そう

MusicCreator AIは、誰でも気軽に始められる無料のお試し（フリートライアル）枠が用意されています。

記事を読んで少しでも「面白そう！」と感じたなら、今すぐ公式サイトにアクセスして、適当な言葉を入力してみてください。たったそれだけの行動で、数十秒後にはあなただけのオリジナルBGMがスピーカーから流れ出す感動を味わうことができます。

著作権フリーの無限の音楽の海へ、今すぐ飛び込んで最先端のAIクリエイティビティを体験しましょう！